Recetas Con Algo De Cuento

¿Te gusta el champán  viuda de Clicquot?. Es uno de mis favoritos desde luego. Y una de las cosas que mas me gustan de el, es que tras su calidad y elaboración se esconde el talento de una gran mujer sola, fuerte y emprendedora:

"El 23 de octubre de ?805, François Clicquot, hijo del fundador de una emergente marca de champagne, murió de unas fiebres malignas dejando al frente del negocio a su desconsolada viuda. Nicole Barbe-Ponsardin contaba con 27 años y nula experiencia cuando se hizo cargo de la firma, pero terminaría convirtiendo la pequeña empresa familiar, rebautizada como Veuve Clicquot-Ponsardin, en uno de los más poderosos emporios del vino espumoso mundial."

El Tambourin también fue lugar de exposiciones. Van Gogh realizó una exposición colectiva en 1887 con Èmile Bernard, Paul Gauguin y Toulouse-Lautrec en dicho local pero la exposición fue un fracaso y además terminó con una reyerta en la que Vincent resultó herido por un individuo que se cree, era el nuevo amante de La Segatori y que supuso también el final de la breve relación sentimental entre ambos.

El local fue cerrado y embargado unos meses después y toda la produción pictórica colgada en sus paredes fue tasada junto con el resto del local a un precio ridículo.

Van Gogh pintó a Agostina Segatori en al menos dos ocasiones en 1877. Agostina Segatori murió en 1910 en su casa de la Place du Tertre, en pleno Montmartre, llevándose con ella los secretos de su corta relación con aquel loco genial que fue Vincent Van Gogh."

Lluïsa Vidal fue una de las pocas mujeres que se sustentó económicamente por medio de su obra, contando con el respeto y reconocimiento de la comunidad artística del momento. Personaje polifacético, Vidal destacó por sus sinceros retratos, su habilidad para el dibujo y la ilustración en revistas y publicaciones. Plasmó, con la veracidad que la caracterizaba, la vida cotidiana y la sociedad de su época.

Muchas mujeres de su época se dedicaron a la pintura, pero fue Lluïsa Vidal el principal exponente femenino de la pintura modernista. Se ganó el reconocimiento de la comunidad artística del momento, lo que se deduce de las buenas críticas que recibió tras participar en las exposiciones en la Sala Parés. La artista difundió su estilo y vendió su obra a través de estos espacios. En 1919, un año después de su muerte, se organizó en la Sala Parés una exposición reconociendo su trayectoria, la última, hasta ahora, en Barcelona, su ciudad.

Lluïsa Vidal, luchadora y comprometida, participó en el movimiento feminista de la época y se rodeó de importantes figuras como Carme Karr, líder de la corriente feminista burguesa (Teresa Claramunt lo sería del movimiento obrero), Francesca Bonnemaison o Dolors de Monserdà. Formó parte de importantes iniciativas como el Instituto de Cultura y Biblioteca Popular para la Mujer, fundado por Bonnemaison en 1909; el Patronato de Obreras de la Aguja, fundado por Monserdà; la Llar, residencia de estudiantes y profesores impulsada por Karr; y el Comité Femenino Pacifista de Cataluña, ideado por Monserdà y Karr en 1915. El motor fundamental de su participación fue siempre servir como impulsora del aprendizaje de la mujer.

.

La familia Vidal pertenecía a la burguesía catalana, por lo que la pintora conocía bien el lujo, el ocio y los eventos sociales propios de su clase. A pesar de ello, prefirió retratar a sus allegados y captar escenas del natural. Suzzane, abuela materna, mujer de fuerte carácter, transmitió a su hija, la madre de la artista, la inquietud por la educación intelectual necesaria para la mujer. Su expresión sincera, cómplice, nos habla del gran aprecio de la pintora por su abuela. Ésta destaca sobre un fondo verde de gran luminosidad que contrasta con los cabellos. La mezcla de varias tonalidades facilita una intuitiva y natural transición entre el fondo y la figura. Muchas de las críticas que recibió la pintora hacían hincapié en la ‘pincelada masculina’ y el estilo ‘varonil’ de su pintura, por lo que se consideraba a la pintora como una excepción en el mundo del arte. Pero Vidal destacó como artista, en toda su esencia, por la seguridad de su pintura, su amplia pincelada y la observación del natural. Mujer hecha a sí misma, de personalidad única y, como diría uno de sus críticos y amigo, Raimon Casellas, la pintora destaca por ser la única pintora que ha producido el actual movimiento artístico en Cataluña

.

Hace años se hablaba de que en la historia del arte no existían apenas mujeres pintoras, muestra  de ello es que las mujeres no habían podido elegir libremente sus profesiones y de que eran otros los que regían sus destinos vitales. Contra lo que pudiera parecer, son muchas las mujeres vinculadas a los oficios artísticos, los nombres de muchas fueron silenciados o borrados, otras utilizaron seudónimos, otros se perdieron en el devenir de los tiempos. Pero gracias a la labor investigadora de muchos historiadores, contamos hoy en día con un mas que importante inventario de mujeres artistas si bien recomponer su biografía no es algo fácil de lograr dado los escasos testimonios escritos que han quedado sobre ellas y sus vidas.

Un ejemplo de estas mujeres es la pintora flamenca Clara Peeters, nacida en Amberes en 1594.

Investigando un poco mas he descubierto gracias al blog mujeres pintoras que en el National Museum of Women in the Arts de Washington se encuentra su obra "Bodegón con pescado y gato". 

Clara Peeters tiene una especial importancia en este museo, ya que sus fundadores, Wilhelmina Cole y Wallace F. Holladay, coleccionistas de arte, sintieron el impulso de fomentar la conservación y difusión de obras de artistas mujeres cuando quedaron impresionados por una obra de Clara Peeters ubicada en una galería de Viena y unos días más tarde por otra ubicada en el Museo del Prado. Cuando la señora Holladay intentó averiguar más datos de esta artista en el libro que habitualmente consultaba (H. W. Janson’s History of Art), halló que no mencionaba ni a esta ni a ninguna otra mujer artista, quedando tan sorprendida por la omisión que en adelante se empeñó en coleccionar y redescubrir el arte de las mujeres. El cuadro “Naturaleza Muerta con Pescado y Gato” fue adquirido por la pareja y donado al National Museum of Women in the Art. La base de datos de este museo también se llama Clara, en honor a esta pintora.

Cuadros llenos de sabor, talento y pasion.

Una de las profesiones que ha realizado la mujer de manera constante  a lo largo de la historia ha sido la de criada: de sus señoras, señores, reyes y nobles. Trabajos duros, mal pagados que en modo alguno la dignificaban aunque el arte nos muestre una visión idealizada de ese oficio.

Jane Austen  vivió durante el período de la Regencia. Y este periodo desde el punto de vista estético marca unas tendencias que son seguidas en su época. El Período Regencia en el Reino Unido es el período entre 1811 y 1820, cuando el rey Jorge III fue considerado no apto para gobernar y su hijo Jorge IV fue instalado por la Regencia como príncipe. El término a menudo se aplica a los años comprendidos entre 1795 y 1837, una época caracterizada por modas distintas, la política y la cultura. Está estrechamente relacionado con la arquitectura neoclásicageorgiana, agregando un toque de elegancia y claridad.

No existe un estilo que lleve el nombre de su monarca, que este porque el estilo Regencia proviene totalmente del gusto de este príncipe regente. Antes de cumplir 50 años, ya fue excesivamente obeso, se vestía con ropajes exageradamente ostentosos, muchas veces de su propio diseño, y solía despedir sirvientas que las pillaba mirando a su inmensa barriga, mientras él lloraba de rodillas al frente de las mujeres bellas que él, constantemente perseguía, y que no tenían interés en él.

No obstante, fue este mismo príncipe él que patrocinó la construcción del Regent Street y del Cumberland Terrace, y fue él que adoraba las novelas de Jane Austen. También fue él que se hizo íntimo amigo del famoso explorador Scott. Un verdadero “playboy,” gastaba dinero como agua, en construcciones, estatuas, alfombras, pintura, y fue uno de los primeros coleccionistas de Maestros Holandeses de pintura, de porcelana y de muebles. Se calcula que gastó 160.000 esterlinas en solo muebles, una cifra impensable para aquella época. Él enriqueció las colecciones de la corte inglesa.

Jane Austen no fue ajena por tanto a los gustos de su época ni en mobiliario ni en cuanto a moda se refiere. Para conocer un poco más los trajes de la época de Jane Austen, recomiendo visitar el Museo del Traje de Madrid donde se exponen vestidos de la época y de otras muchas mas. Solo decir que me pase una tarde embelesada pegada a sus vitrinas.

Y para quien desee profundizar en la moda en esta época, hay dos magníficos libros en ingles no traducidos todavía:

Adjunto link para leerlo completo:

http://www.elmundo.es/elmundo/2013/05/29/opinion/1369849189.html

Maria Blanchard nació 6 de marzo de 1881 en Santander. Su padre era director del periódico El Atlántico y su madre era de ascendencia polaca y francesa. María adoptó el apellido Blanchard de su abuelo materno.

María nace con una deformidad resultante de una cifoscoliosis con doble desviación de columna que condicionará desde su nacimiento su destino y la obsesión por su trabajo Maria era jorobada. Esa deformidad hace que odie las fotos y por tanto existen muy pocas de ella. 

Don Ramón Gómez de la Serna la describe como “Menudita, con su pelo castaño despeinado con su mirada de niña, mirada susurrante de pájaro con triste alegría". Algunas de las palabras de María: "no tengo talento, lo que hago lo hago sólo con mucho trabajo" o "cambiaría toda mi obra... por un poco de belleza", reflejan su propia opinión sobre su físico y su obra. 

La educación familiar culta y refinada, junto con su talento innato para el dibujo y la pintura, la  encaminan a cursar estudios de arte en Madrid. Gracias a sus excelentes trabajos recibe una beca para continuar sus estudios en Paris. Y allí encuentra la libertad creadora y física. Matriculada en la academia de pintura Vitti, recibe enseñanzas del pintor español Anglada Camarasa y traba amistad con el pintor mejicano Diego Rivera. Años más tarde compartirá casa con la artista rusa Maria Vassilief. Gracias a ella conoce el nuevo estilo que triunfa: el cubismo. Su vida transcurre entre un trabajo intenso, frenético, exposiciones, algunos premios y como siempre su amistad con otros artistas como Juan Gris. 

Su estancia en Paris es casi permanente durante su vida aunque vuelve a España en varias ocasiones donde no consigue sentirse a gusto. La vida de Maria transcurre entre una incesante actividad artística, premios y una apretada situación económica de la cual nunca consigue salir: ´"Si vivo voy a pintar muchas flores", fueron sus últimas palabras de deseo artístico. Muere el cinco de Abril de 1932 en Paris. El artículo que aparece en L´Intransigeant, resume toda una vida: "La artista española, ha muerto anoche, después de una dolorosa enfermedad. El sitio que ocupaba en el arte contemporáneo era preponderante. Su arte, poderoso, hecho de misticismo y de un amor apasionado por la profesión, quedará como uno de los auténticos artistas y más significativos de nuestra época. Su vida de reclusa y enferma, había por otro lado contribuido a desarrollar y a agudizar singularmente una de las más bellas inteligencias de ese tiempo".

Este bellísimo cuadro de Renoir puede contemplarse en la sede de la Fundación Philips en Washinton DC.  Comprado por Duncan Philips en 1923, constituye una de las piezas estrellas de esta colección pequeña pero grande en términos artísticos. Recuerdo que la primera vez que la visité, pude disfrutar de ella en soledad cosa que no es habitual en los Museos o salas de arte. Enfrente del cuadro tenían  dispuesto un banco que invitaba a sentarse para ver, mirar, contemplar, imaginar, pensar, recordar, atesorar y descansar como no. Lo que siempre me ha seducido de este cuadro además del uso del color que hacer Renoir, es la atmósfera de camaradería, de tertulia, de ambiente fraternal que evoca. Un grupo de amigos en la estrecha cubierta de un barco, se reúnen para charlar, beber vino y compartir unos aperitivos o merienda. Siglo y pico más tarde, los mejores planes siguen siendo  los que surgen para compartir momentos con los demás.